¿Rodaje con 1 cámara o rodaje multicámara?

A la hora de rodar un videoclip, ¿es mejor rodarlo con 1 sola cámara, o es preferible contar con multicámara (dos o más simultateamente)?

Antes de profundizar en el tema, comentar que este artículo ha sido motivado (como practicamente todos los que escribo en “mundo videoclip”) por la experiencia propia, así como por alguna discusión fortuita con algun cliente. Así que espero que el artículo sirva de guia para entender mejor como funciona una producción, y así decantarse por 1 cámara, 2 o más cámaras.

En primer lugar me gustaria decir que “cada maestrillo tiene su librillo”. Y pocas veces el refranero popular está más acertado, ya que en lo que producción audiovisual se refiere, no hay una única forma de hacer las cosas, y cada profesional tiene su forma partícular de defender un rodaje. Eso sí, hágase como se haga, es necesario justificar la decisión.

Si nos remontamos a los orígenes del cine (allá por el sigle XIX), observaremos que en aquella época las películas se rodaban con 1 sola cámara. La idea de colocar 2 cámaras o más no vino hasta la aparición de la TV y la necesidad de la realización en directo (con video). Por tanto, todo el lenguaje cinematográfico fue “inventado” y desarrollado partiendo del uso de 1 sola cámara en rodaje.  Y aunque el lenguaje audiovisual ha evolucionado mucho desde entonces, hay una base importante que permanece. De hecho, aún hoy en día la mayoria de producciones cinematográficas se ruedan con solo 1 cámara. En estas películas, solo se pasan al multicámara en escenas concretas de acción o efectos especiales que, por su naturaleza, sale más barato realizar con varias cámaras y evitar repetir tomas o alargar demasiado el rodaje.

Y esque, aparte del aspecto puramente económico (+ cámaras = – tiempo de rodaje), el rodar con 1 sola cámara nos enmarcará en esa textura filmica, por contra de la textura televisiva (o de video) que caracteriza el rodaje multicamara.

Pero vayamos al grano, y veamos las ventajas de producir con cada uno de ambos sistemas:

Ventajas de rodar con 1 cámara:

  • La iluminación puede ser más sofisticada y preparada, puesto que se puede trabajar pensando en un punto de vista concreto.
  • Se pueden plantear encuadres más compejos, artísticos o “imposibles”. Todo el set se plantea para ese único punto de vista, así que la cámara (la unica que hay) se convierte en la protagonista absolutay tendrá libertar para “moverse” como quiera y por donde quiera (es un decir…)
  • La atención del artista/actor/modelo etc. está definida! hay un espectador concreto (la cámara) y su acción tiene una dirección concreta. Sabemos donde está el espectador. Mirar o no mirar, he ahí la cuestión…. pero con conocimiento de causa.
  • Has encontrado a un operador de cámara cojonudo…. ¿que te hace pensar que vas a encontrar 2, 3 o más operadores igual de buenos para tu rodaje?
  • Alquilar (o comprar) 1 cámara es más barato que comprar 2… así que puedes invertir ese “ahorro” en una cámara mejor, mejores ópticas, o simplemente en un buen catering :)))
  • El inevitable look cinematográfico que aporta rodar a 1 sola cámara, será dificil de imitar.

Ventajas de rodar con 2 cámaras:

  • Se puede rodar más rápido (puedes cubrir varios puntos de vista al mismo tiempo)
  • Puedes obtener más cantidad de material (aunque habria que ver la calidad del mismo….)
  • Aporta un look más televisivo (como un “live”)

En definitiva, cada profesional debe escoger que sistema se adapta mejor a cada producción. Pero antes de decidirte por un formato u otro preguntate:

¿Quiero conseguir un look cinematográfico o televisivo?

A continuación, nuestro último videoclip rodado con 1 cámara (aunque tambien hay algunas tomas con drone):

Saludos!!

 

Manuel Mira. Director de videoclips.

¿Cual es la mejor época para el rodaje de un videoclip?

Los meses de verano suelen ser los preferidos para la mayoria de grupos musicales a la hora de escoger la época para rodar sus videoclips. También pasa lo mismo con la publicidad y el cine: al llegar mayo o junio, las agendas de las mejores productoras audiovisuales de España se colapsan.

Pero, ¿realmente el verano es la mejor época para rodar videoclips?

Veamos estación por estación, que pros y que contras nos encontraremos en los rodajes (si nos encontramos en España):

PRIMAVERA. El mercado audiovisual empieza a calentar motores cuando llega el calorcito. Los días empiezan a alargar y las jornadas de rodaje se pueden extender más. La grabación en exteriores se hace muy agradable, pues el clima acompaña, . Hay bastantes posibilidades de sol y el campo luce un colorido floral muy atractivo (cuidado los alergicos…).

VERANO. Playita, piscinita…pero que duro se hace rodar a 35º… Los dias son eternos, pero practicamente es imposible grabar en exteriores desde las 9.00 de la mañana hasta las 18.00 de la tarde, ya que el sol se posiciona muy cenital, genera sombra agresiva y la luz es demasiado dura.

OTOÑO. Emocionalmente la peor época del año… pero si puedes disimular en el cuadro el malestar del equipo técnico y artístico, los rodajes en otoño tiene bastantes ventajas. El día aún es bastante largo, pero el sol no es tan agresivo. El clima aún es agradable y se pueden plantear exteriores que simulen verano, sin torturar a los actores/modelos. Eso sí, vigila bien la previsión metereologica, pues en estos meses el clima es una fiesta cambiante.

INVIERNO. Sin dudas, mi época favorita para rodar. Los días son cortos, pero la luz solar es ideal toda la jornada. Desde el alba al ocaso, el sol luce suavemente generando brillos y reflejos tamizados. En segun que partes de España (como Barcelona), el invierno es suave y se pueden disfrutar jornadas en exterior a 15º, 20º e incluso 25º. Hay que estar muy pendiente de la previsión meteorológica, pero con un poco de suerte, tendremos la luz perfecta y un clima agradable. Cabe decir que, debido a las lluvias, generalmente vamos a encontrar unos paisajes idílicos, verdes y frondosos, muy atractivos.

No obstante, cada rodaje tiene sus necesidades y particularidades, por lo que no es facil determinar realmente qué momento es el ideal para un rodaje, y será el equipo de profesionales del rodaje los que puedan valorar cada situación.

 

Chroma (fondo verde) en los videoclips

Como creador de videoclips (he realizado más de 70 videos musicales), he observado una demanda creciente del uso del chroma en los encargos de videoclips.

Cada vez más muchos artistas que solicitan un nuevo videoclip, se interesan y preguntan por esta técnica (tan rara y desconocida para muchos).

La mayoría de las veces este interés en el chroma viene dado, sobretodo, por la creencia de que con esta técnica se abaratan mucho los costes y es posible hacer un video espectacular con “4 duros”, y todo con el simple uso de un fondo verde y un ordenador con after efects.

Pero nada más lejos de la realidad… Veamos porqué.

 

COMO SE HACE UN CHROMA?

Para empezar, necesitaremos un fondo de color verde, azul, o cualquier color vivo o llamativo que difiera notablemente de los colores que contenga el sujeto/objeto que queramos colocar delante de la cámara.

La iluminación del chroma debe conseguir un tono uniforme y plano, sin sombras o degradados. El sujeto/objeto debe iluminarse independientemente del fondo. Para ello lo intentaremos separar lo máximo posible del fondo.

Para evitarnos problemas, la vertiente más basica del chroma nos dice que tenemos que grabar con trípode. No moveremos la focal ni el zoom, e intentaremos que el plano sea estático.

Una vez grabado, editaremos el clip en cualquier progama de edición (after-efects, premiere, final cut…).  Si lo hemos hecho bien, podremos disponer del sujeto/objeto recortado en una capa independiente. A partir de aquí podremos incorporar detrás de esa capa la imagen/video que deseemos.

Esta técnica es muy util para realizar pequeños efectos que complementar el vídeo “convencional”.  Como por ejemplo:

pero….EL CHROMA TIENE SUS PEGAS

No obstante, para realizar montajes más complicados, que incorpore recrear fondos tridimensionales reales o creados en 3D por ordenador, que incorpore movimientos de cámara, o que busque cierto hiperrealismo será imprescindible contar con un equipo humano y técnico muy amplio que, sin dudas, va a condicionar toda la producción notablemente, empezando por encarecerla mucho.

Aunque es algo individual de cada proyecto y es dificil generalizar, como tónica habitual se puede afirmar (y romper el mito) que la técnica del chroma NO abarata la producción, sino que incluso la puede encarecer. Y por supuesto la condiciona artistica, logística y técnicamente.

Así que, al igual que con cualquier otra técnica, el chroma se debe emplear inteligentemente, en su justa medida y solo cuando sea conveniente.

Por tanto antes de plantear tu videoclip integramente en chroma, averiguar si realmente es tan viable y barato como te imaginabas. Confia en los profesionales y déjate aconsejar.

 

 

 

 

 

CONSEJOS para iluminar un Videoclip

La fotografía es luz. Lo que hace posible que podamos captar y reproducir videos es luz. La luz es imprescindible en la creación audiovisual. Todo lo que entra por la óptica de la cámara e impresiona el sensor digital (antiguamente la película fotosensible) es luz.

Una vez el sensor ha captado esa luz, la envia al procesador en forma de información y este la convierte en una imagen entendible para el ojo humano.

Entendiendo esto, es facil argumentar que del control y de la manipulación de la luz a la hora de disparar un plano, dependerá el resultado final de nuestra fotografía.

A continuación, algunos consejos interesantes para plantear la iluminación en la creación de un videoclip musical.

 

ILUMINACIÓN EN ESTUDIO con 2 o 3 focos

La grabación en estudio es un recurso recurrente donde colocar al artista musical y que se defienda con algunos playbacks. Una forma sencilla y fácil de iluminar este tipo de situaciones con 2 focos, es colocando 1 foco detrás del sujeto (contra) y otro delante. Ambos focos situados ligeramente en un lateral. El foco de contra le dará relieve y brillos muy atractivos.

En el otro lateral puede colocarse un reflector, que le aporte un poco de relleno (suave) o un tercer foco con poca intensidad (ideal si se cuenta con dimmer y así regular la intensidad deseada)

 

ILUMINACIÓN EN INTERIOR natural

Si tenemos que grabar un espacio interior “real” y contamos con alguna ventana que deje pasar la luz natural exterior, una buena idea es aprovechar esa luz proveniente del sol. No hay mejor luz que la solar.

Podemos completar la luz solar con focos artificiales. Pero es importante que respetes la temperatura de color. La luz solar oscila entre 4.800ºK y 5.600ºK, la cual tiene una tonalidad neutra (blanca) y es llamada tambien “luz día”. Por tanto, los focos que añadamos deben respetar dicha temperatura.

Si la luz que entra por la ventana es muy directa, quizas podamos sustituir (o completar) los focos por un reflector.

 

ILUMINACIÓN EN EXTERIOR de día

En un día soleado no hay mejor forma de iluminar que aprovechando la fuerza del propio sol. Puedes redirigir la luz solar usando reflectores. Tener el sol de contra y el reflector como luz de relleno, es una buena forma de obtener contrastes, brillos y relieves atractivos.

En un día nublado o si las condiciones lo requieres, se puede contar con poten

tes focos HMI. Estos focos emiten “luz día” y tienen una potencia suficiente como para compensar o imitar la luz natural del sol. El problema es que estos focos suelen ser caros, y además requieren el uso de grupos electrógenos (no se pueden enchufar a la red doméstica), lo que puede complicar y encarecer la producción.

 

ILUMINACIÓN NOCTURNA (interior o exterior)

La iluminación nocturna requiere (si o si) de iluminación artificial. Nuestro trabajo consistirá basicamente en complementar la luz artificial que ya exista en la escena, proveniente de lamparas, farolas urbanas, etc.

Podemos seguir un esquema similar a las anteriores configuraciones. Una luz de contra nos dará relieve y brillos interersantes, pero necesitarás reforzar con un poco de relleno lateral o frontal.

En cualquier caso, la iluminación nocturna tenderá a ser de 3.200ºK (luz cálida), salvo si se quiere simular la luz de la luna, que será de 5.500ºK (la luna rebota la luz del sol).

En cuanto a la luz lular, culturalmente asociamos la luz de la luna a tonos azulados (aunque en realidad es blanca). Esto lo podemos conseguir si trabajamos con iluminación de 5.500ºK pero ajustamos la cámara a 3.200ºK. Asi obtendremos ese filtro frio que invadirá todos los tonos.

 

Una buena iluminación requiere preparación y anticipación para poder organizarse y planificar la producción. Contar con buenos medios ayudará mucho, y la experiencia y talento se vuelven fundamentales, ya que una buena  iluminación no suele ser algo casual, sino premeditado.

 

Videoclips a vista de pájaro (vídeo con drone)

No cabe duda que la tecnología drone ha venido para quedarse. Estos aparatos voladores han irrumpido en varios sectores, como la agricultura, ingenierias, transporte… y como no, el sector audiovisual.

Esta revolución viene dada, en gran parte, gracias al aporte de la marca DJI, creadora de su milagrosa serie Phantom.

Y pese que a DJI le han salido muchos competidores, la serie Phantom y la serie Inspire (para los más pudientes) siguen siendo modelos ideales para la grabación estandar de vídeo aéreo.

El mundo del videoclip no es ajeno a esta revolución, y cada vez más son los videos que incorporan, como recurso, la captación aérea de secuencias.  Y es que, por lo general, nos gusta mucho observar la cotidianeidad desde un punto de vista diferente o perspectiva nueva. Filmar las cosas desde arriba nos puede aportar espectacularidad, frescura y ritmo.

La primera cosa importante a tener en cuenta a la hora de ponernos a volar es  la legislación de cada pais. En España ( y practicamente en toda Europa) la normativa es muy clara, y está regulada por AESA (agencia estatal de seguridad aerea) .

Para poder volar profesionalmente un drone como el Phantom III, es necesario ser piloto autorizado. Necesitaremos la siguiente documentación:

– Certificado Médico

– Certificado teórico de piloto

– Certificado práctico de piloto

– Seguro obligatorio (para el drone)

– Autorización como operadora

– Chapa identificativa en el drone

Una vez tengamos todos estos requisitos y nos lancemos a volar con nuestra aeronave, tendremos que vigilar las siguientes limitaciones normativas:

  • Está prohibido sobrevolar zonas urbanas
  • Está prohibido sobrevolar aglomeraciones de personas
  • Está prohibido sobrevolar zonas de tráfico aéreo (especialmente cerca de aeropuertos)
  • Altura máxima 120 metros
  • Distancia máxima 500 metros (se podria enviar a más de 500 metros si nos concedieran un NOTAM, pero es algo bastante improbable)

Tampoco se pueden sobrevolar parques naturales o zonas protegidas.

Aunque es cierto que las limitaciones legales son muy notables, con un empleo inteligente y eficaz del drone, se pueden obtener unos planos espectaculares con estas máquinas.

En particular, los drones de la serie Phantom ofrecen calidad a un precio razonable. Hablamos de una aeronáve profesional, de uso facil. Facil, porque los automatismos y ayudas de la máquina hacen que volar con ella sea casi un juego de niños. No obstante, no hay que confiarse y la manipulación de estos drones tiene que hacerse con responsabiliad, conocimiento y experiencia, para evitar accidentes (todos recordamos aquel concierto de Enrique Iglesias…)

La calidad de imagen que nos ofrece el Phantom es muy digna. Quizás es algo limitada para su uso en cine, no tanto por la resolución (hay modelos en 2.7 y en 4k) sino por su rango dinámico y la compresión. Pero no se puede pedir más a una máquina que ronda los 1.000 euros, pesa 1.3 kg, vuela y además graba vídeo profesional, ideal para videoclips y proyectos (no tan) low cost.

Así que, no te cortes y deja volar tu imaginación, y rueda tu videoclip con un drone.

Eso sí, como siempre confía en los profesionales del sector. No solo te evitarás problemas legales (y una tediosa multa de AESA), sino que contarás con la experiencia y oficio suficientes para exprimir al máximo estos juguetes, que tanto nos gustan.

Abróchense los cinturones que despegamos…

 

 

 

 

TOP las 5 mejores cámaras para rodar un Video musical

La tecnología audiovisual progresa exponencialmente y casi cada año aparecen en el mercado nuevas máquinas profesionales (y domésticas) dispuestas a revolucionar el sector del vídeo.

Nada o poco tienen que ver las cámaras que se usaban en los inicios del cine, respecto a las modernas cámaras de la actualidad.

El gran salto se realizó recién inaugurado el tercer milenio, cuando la grabación de cine analógico se convirtió en cine digital. A partir de entonces, la calidad, resolución y sensibilidad de las cámaras digitales a llegado a unos niveles inimaginables en el siglo XX.

En la actualidad todo el proceso audiovisual es completamente digital. Tanto la grabación, como el editaje, así como la proyección (en salas de cine) se realiza en digital.

En el mundo videoclip las posibilidades y necesidades, en lo que se refiere a cámaras, son basicamente las mismas que en el cine u en otros formatos, pero si existen algunas particularidades.

A continuación, las 5 mejores cámaras para la grabación de videoclips musicales:

 

1º CINE BLACKMAGIC

Después de amasar una amplia experiencia en la creación de software de post-producción de cine, BlackMagic se lanzó a la piscina y creó la impresionante, extraña, revolucionaria, delicada y eficaz Cine BlackMagic.

Temida por muchos por su dificil manejo, Cine Black Magic destaca por su buenísimo sensor (de 16mm) y su rango dinámico de 13 stops. Algunos las consideran un magnífico sensor metido en una “puñetera” caja. Y es que la Black Magic es una cámara minimalista sin practicamente funciones automáticas ni presets, ni ayudas pretederminadas. Es una cámara simple en su uso, que requiere habilidad y profesionalidad para su operador.

Pero si eres habil con la cámara y saber manejar la luz, con la Cine Black Magic podrás captar impresionantes y sensibles imágenes ideales para videoclips musicales, cine independientes, documentales de autor o proyectos low cost (el cuerpo solo cuesta menos de 2.000 euros)

PROS: Un sensor de primer nivel. Excelente relación calidad-precio.

CONTRA: No graba slowmotion; y tiene un factor de recorte de 2.4x

 

2º RED SCARLET

Red One fue la primera cámara de CINE del mercado (que grababa “vídeo” digital en 4k, 13 stops de rango dinámico y una compresion 4:4:4 óptima para proyectos cinematográficos.  Y han sido varios los modelos que le han seguido. Entre ellos la versatil RED SCARLET.

Scarlet  es una cámara de CINE (en mayúsculas) de gran calidad. Con esta cámara se han grabado multitud de peliculas de primer nivel, y si tienes la suerte de tenerla entre tus manos, entenderás la diferencia de trabajar con una cámara de la familia RED.

PROS: Calidad CINE. Alta sensibilidad. Colores impecables.

CONTRA: Solo para presupuestos pudientes (es cara). Es una cámara pesada y necesita accesorios y soportes robustos.

 

3º CANON 5D

Sin dudas, Canon revolucionó el mercado audiovisual con su Canon 5d mark II. Le seguieron la Canon 7D, la 60D, 80D, la mark III, mark IV, etc. y la competencia (especialmente nikon) no tardó en imitar el efecto Canon.

Pero Canon se situó indiscutiblemente como lider (y sigue) en la grabación de vídeo de alta calidad con cámaras DSLR (Digital Single lens reflex) e inauguró la posibilidad a los filmmaker con poco presupuesto de captar imágenes espectaculares con un toque cinematográfico con una cámara que cabe en la palma de la mano.

PROS: Buena calidad con un precio asequible.

CONTRA: Su tamaño y limitaciones naturales, exige el empleo de accesorios complementarios. No deja de ser una cámara de fotos.

 

4º  BLACKMAGIC URSA

De vuelta con Black Magic,  esta vez nos quedamos con la URSA, una versión más potente, que permite (entre otras cosas) grabar slowmotion en 4k. Es una cámara mucho más robusta y manejable que la Cine BlackMagic. El sensor se mantiene en estándares altos y sigue en la linea de la marca.

PROS: Cámara de CINE de altas prestaciones a precios más asequibles (que las RED)

CONTRA: Demasiado pesada y grande en comparación con la CINE Blackmagic.

 

5º CANON C100

Canon intentó continuar con el éxito de su Canon 5D, creando esta vez una videocámara destinada (solo) a vídeo/cine (sin fotos) y prestaciones especiales para estos usos. Pero fracasa estrepitosamente en el intento y pierde la versatilidad, agilidad y accesibilidad (lowcost) de las 5D, para quedarse con una cámara pesada, cara, lenta, y con textura de vídeo camcorder que nos recuerdan más a las viejas Sony Z1 o Panasonic P2, que no a las modernas cámaras de cine digital.

PROS: Opción facil para videomakers industriales .

CONTRA: Calidad Vídeo (no cine). Baja relación calidad-precio.

 

En cualquier caso, mucho más importante que contar con una cámara u otra, es contar con un equipo de profesionales (director de fotográfia, operador de cámara, director, etc.) que sepan sacarle el mejor partido a cáda máquina y cada situación.

Confia en los profesionales que conocen sus herramientas de trabajo y se preocupan por estar al día en cuanto a novedades tecnológicas se refiere.

 

TOP 5 mejores videoclips de la historia

Seguramente estaremos todos de acuerdo en que es francamente dificil hacer una clasificación de los “mejores videoclips de la historia“, ya que a día de hoy podemos encontrar miles y miles y miles de trabajos espectaculares, y no se pueden mencionar todos.

Por eso, esta lista de hoy no es otra cosa que simplemente una sencilla recopilación personal de 5 “pedazo” de videoclips que, sin dudas, nos han regalado diversión, espectáculo y emociones.

Sin más dilación, la lista de “los 5 mejores videoclips de la historia”:

5º DAFT PUNK (DA FUNK) – Dirigido por Spike Jonze

En esta lista no puede faltar un videoclip de Spike Jonze, seguramente uno de los cineastas que han cambiado el lenguaje de los videoclips en el sigle XX. Ha realizado multitud de trabajos para artistas como Bjork, Massive Attack, Chemical Brothers, etc.

4º BJORK (DECLARE INDEPENDENCE) – Dirigido por Michel Gondry.

“Primo hermano” de Spike, Michel Gondry es un virtuoso cineasta que nos ha dejado (y sigue dejando) videoclips tan impactactes como este “declare independence” de la inmortal Bjork.  Sube el volumen y declara tu independencia!

3º THE VERVE (BITTER SWEET SYMPHONY) – Dirigido por Walter A. Stern)

Sencillo  pero inolvidable videoclip dirigido por Walter Stern, a quien tuve el placer de conocer en persona en el pasado Primavera Sound.

2º GOTYE (SOMEBODY THAT I USED TO KNOW) – Dirigido por Natasha Pincus.

Emotivo, minimalista y sensitivo videoclip rodado parcialmente con la técnica del stop-motion. A destacar la intrepretación de Kimbra.

1º MICHAEL JACKSON (THRILLER) – Dirigido por John Landis.

Y como no, en esta lista no podia faltar uno de los más grandes musicos del siglo XX, junto a un videoclip que marcó un antes y un después en la historia de los videoclips. Me costó años dejar de tener pesadillas por este “thriller”… y aún hay noches de luna llena que sueño con Michael convertido en zombie iendo a por mi… Que no nos pase nada….

BONUS TRACK / ANTONI TOLMOS (SIGH NO MORE) – Dirigido por Manuel Mira

Con toda la humildad del mundo acompaño esta lista TOP con este sencillo videoclip creado por un servidor para el pianista y compositor Antoni Tolmos, no con ánimos de pretender ninguna comparación imposible, sino con el simple afán de compartir con vosotros uno de los videoclips de cosecha propia de  los que estoy más orgulloso. Ojalá algún día alguien haga una lista de los 5 mejores videoclips de la historia e incluya algun trabajo de Manuel Mira. Mientras tanto, disfrutemos creándo y compartiendo.

Manuel Mira, director de videoclips.

5 claves para EDITAR facilmente un videoclip

La edición o montaje es el proceso último y definitivo que vamos a trabajar, y se trata, sin dudas, de un proceso importante y decisivo para el éxito (o no) del videoclip.

Si el guión y/o el rodaje han sido un fiasco y han estado plagados de errores, va a ser dificil salvar el proyecto con una buena edición, pero, si hemos hecho los deberes y hemos defendido bien el guión y el rodaje, sería una pena echar a perder el proyecto por una edición mediocre o poco trabajada.

Así que no hay que desesperar en esta parte final del proceso. Vuelve a disfrutar de la “soledad” del montaje (después de seguramente un ajetreado, estresante y multitudinario rodaje) y demuestra que te llevas bien con el ordenador.

A continuación, algunas claves y consejos para agilizar la edición y asegurarte un resultado profesional:

1. Sincroniza todas las tomas. Si has grabado tomas del/la cantante haciendo playblack, la primera tarea que te recomiendo que hagas es colocar cada una de esas tomas en una pista diferente de tu editor, y las sincronices todas con la pista de audio final (el tema de estudio).

Yo personalemente voy colocando una a una cada toma y las sincronizo (una a una) con el audio master, ayudado con la herramienta de sincronización del premiere.

En este ejemplo, he sincronizado 14 tomas diferentes con el audio master, colocando cada una en su correspondiente pista. Las tomas de las pistas 10 y 13 no son de toda la canción y solo abarcar una fracción de la misma.

Es hora de darle al play, a la cuchilla, al pause, a suprimir, etc. Poco a poco irás editando por corte las pistas sincronizadas. Al final, el resultado de este proceso podria ser algo así:

Ahora ya tienes una buena base para trabajar. Después ya podrás ir añadiendo poco a poco todas las otras tomas que no son sincronizables con el audio (como los recursos, acciones dramáticas, etc).

2. El ritmo es esencial. En cualquier tipo de video el ritmo y la métrica juegan un papel importantisimo, ¡pero en los videoclips es primordial! Cada estilo musical o cada tipo de videoclip requerirá un tipo de ritmo u otro (eso se tendrá que valorar en cada ocasión), pero sobretodo asegúrate de controlarlo en todo momento. Decide la duración de cada clip, así como cuando empieza y cuando acaba.

Observa en este caso, por ejemplo, como el corte se ajusta al cambio de ritmo (visible por la punta de pico de la onda de audio):

3. En la variedad está el gusto. Un vídeo demasiado repetitivo (donde las mismas tomas se repitan una y otra vez) será muy dificil de justificar. Si hiciste los deberes en rodaje y grabaste suficientes tomas (y variadas), aprovecha e intenta editar un videoclip ritmico y cambiante:

Si “A” es una toma de Primer Plano de tu cantante. “B” es una toma de Plano Medio,  “C” es un Plano General y “D” es un plano recurso de sus manos; no hagas A-B-A-B-A-B-A-C-D. Prueba con A-B-C-A-B-D-A-C-D

No obstante, esto solo es una referencia general. Cada uno debe valorar en cada momento que es mejor para su proyecto y su edición. Cada videoclip tiene unas necesidades.

4. Organiza el proceso de tu post-producción. Normalmente estamos limitados por la potencia de nuestro ordenador (siempre hay un limite). Para no hacer sufrir nuestro ordenador, y no sufrir nosotos con él, lo mejor es optimizar el esquema de trabajo y organizar el proceso de post-producción pensando en la mayor agilización para el procesador y la memoria.

Mi consejo es el siguiente mini esquema:

1º Sincronización de pistas

2º Edición por corte (incluyendo recursos, acciones, etc)

3º Revisión y retoque de edición por corte.

4º Inserción (o creación) de Efectos Visuales (FX), y textos, logos, créditos, etc.

5º Correción de color

6º Rendering final, revisión final y export.

 

5. Corección de color. Si bien la correción de color es un elemento imprescindible en la post-producción audiovisual, se podría plantear que no corresponde al proceso de edición (propiamente dicho) , sino que es un proceso independiente (y posterior). Por ello en este artículo no vamos a profundizar en la correción de color (lo haremos más adelante en otro artículo). Pero si destacar que no puedes plantear hacer un video profesional y pasar por alto este proceso.
Aprender a editar no es dificil, pero para sacar el máximo partido a las herramientas y tener la agilidad de un profesional, se requiere años de experiencia. Como siempre, confia en profesionales. Ahorrarás tiempo y dinero.

¿ Donde rodar las secuencias de un videoclip ?

En este artículo vamos a descubrir algunos aspectos importantes a tener en cuenta a la hora de decidirse por una localización (o varias) para rodar el videoclip musical.

En primer lugar haremos una breve clasificación de los tipos de localizaciones más habituales que se suelen optar para la mayoria de videoclips:

  • Exteriores naturales (bosques, playas, campos, naturaleza en general…)
  • Exteriores urbanos (ciudades, pueblos, urbanizaciones, polígonos, etc)
  • Interiores naturales (casas, oficinas, hoteles, apartamentos, espacios industriales, etc)
  • Plató / estudio (espacios profesionales diáfanos y versátiles adaptados para rodajes)

Y otros lugares dificiles de etiquetar, como por ejemplo una embarcación, el interior de un coche, un parque temático, etc.

En general la elección de una localización u otra se debe plantear en el guión (es parte de la apuesta narrativa o conceptual) y estará supeditado sobretodo a las necesidades creativas, al perfil artístico del grupo/cantante y a limitaciones presupuestarias.

Conocer el entorno natural, la arquitectura del lugar, los espacios recónditos y en general el perfil y atmósfera de un lugar, es algo indispensable para terminar de darle forma al guión y establecer la/las localizacion/es.

Pero cada espacio tiene sus condiciones, limitaciones y especificaciones. Hablemos de ello un poco:

Exteriores naturales:  El rodaje en exteriores naturales es una opción visual relativamente fácil, atractiva y con muchas ventajas. Pero tambien con algunos inconvenientes. En primer lugar hay que identificar si tenemos autorización para rodar. Si se trata de un parque natural o protegido, seguramente tendrás que pedir permiso a la entidad correspondiente, y seguramente te harán pagar unas tasas  (que suelen ser caras). Además, estarás limitado en uso (horarios, espacios, posibilidades técnicas, etc. ). Ten en cuenta que practicamente no existen espacios “libres”, y todo rincón de España pertenece a un propietario privado o público. Sea uno u otro, infórmate antes para evitarte multas o situaciones incómodas.  En exteriores naturales debes prestar especial atención a la meterología y a las horas de luz. Lo bueno es que puedes prescindir de focos y trabajar con reflectores (el sol es el mejor foco que puedes imaginar).

Exteriores urbanos: La arquitectura de un espacio urbano nos puede servir de plató a medida. Es más accesible que rodar en el campo y tendrás servicios a tu alcance (bares, lugares para refugiarse o prepararse, tiendas, etc). Pero tambien hay que informarse para contar con el permiso adecuado. En Barcelona, por ejemplo, hay unas tasas para rodajes (que son bastante caras), pero hay un modelo de permiso de rodaje gratuito siempre que el rodaje se haga con unas limitaciones: 1 cámara y trípode, 9 personas de equipo, y tienes que rodar en la acera sin molestar los viandantes. Cada localidad tiene su normativa. Ten en cuenta que hay algunos edificios que poseen derechos de imagen y en caso de mostrarlos en tu videoclip te expones a tener que pagar por el uso de esa imagen.  Las personas tambien tienen derechos de imagen (que podrán ejercer o no). Si vas grabar “figurantes” involuntarios asegúrate que no se les reconozca, o consigue que te firmen una cesión de derechos de imagen.

Si optamos por uso de iluminación en exteriores nos obligará a contar con un grupo electrógeno, o contar con focos que funcionen con bateria. Además, tendrán que ser focos realmente potentes (para el día) para compensar la luz natural.

Interiores naturales: Cuando grabamos en interiores tendremos una atmósfera más controlabe e íntima. La iluminación se convertirá en nuestro principal preocupación y seguramente tendrás que trabajar con un buen equipo de focos para recrear la luz que te interesa. Para rodar en interiores tendremos que pagar el alquiler correspondiente para usar ese espacio por las horas o días que necesitemos,  lo que es algo muy importante a la hora de presupuestar el videoclip.

Best Interior Design

Plató/estudio: Sin dudas una opción muy profesional. Contaremos con todas las facilidades para cubrir los aspectos técnicos y logisticos de cualquier rodaje. El problema es que los platós suelen tener una tarifa horaria alta, y que estaremos limitados a unos fondos o backgrounds muy concretos, que habitualmente suelen ser cicloramas en blanco, negro o chroma (verde).  La opción de recrear decorados es muy interesante, pero encarecerá notablemente la producción. La iluminación es indispensable, ya que tendrás que elaborar la iluminación ambiental por completo.

En resumen, escoge el espacio que se adecue a tus necesidades creativas, logísticas y económicas. Todo tiene su precio, pero tu videoclip lo merece.

 

 

7 claves para hacer un buen guión de videoclip

Un buen videoclip necesita un buen guión. Es la base fundamental de cualquier obra audiovisual y en gran medida es el culpable de que finalmente la pieza tenga éxito (o no).

En términos generales, la escritura de un guión para videoclip es muy parecida a la de cualquier otro formato audiovisual (cine, publicidad, etc.), pero en un análisis más detallado si observamos algunas pautas concretas que convierte el lenguaje de los videoclips en un lenguaje único y especial.

Aquí van algunas claves para entender mejor como funciona un videoclip y desarrollar un buen guión.

1.  ESCUCHA EL TEMA MUSICAL 1.000 VECES. Empápate del tema hasta que sueñes con él. Escúchalo en bucle una y otra vez. Analiza la letra (si la tiene), su estructura, los climax, subidas y bajadas… y sobretodo, déjate llevar por lo que te transmite. La música es mucho más que melodía, armonia y ritmo. La música sobretodo es sentimiento. Y si vas a hacer un videoclip para esa pieza, es imprescindible que te dejes llevar por el “feeling” de sus notas.

2. CONOCE AL ARTISTA Y SU TRAYECTORIA. No hay que olvidar que un videoclip es una herramienta de marketing, y como tal, tiene que  ir acorde con el proyecto global del artista. Manten reuniones con el artista (o grupo) para conocerlo mejor, pregúntale por sus inquietudes, sueños, proyectos… aprende quien és, de donde viene y adonde vá. De esta forma podrás desarrollar un guión personalizado y coherente con su carrera (pasada y futura).

3. ¿ VIDEOCLIP NARRATIVO O CONCEPTUAL ?. En términos generales, podriamos definir que hay videoclips narrativos, hay videoclips conceptuales, y hay videoclips que engloban ambos tipos.

Un videoclip narrativo es aquel que cuenta una historia (una narración). Como si de una pequeña película se tratase. Suele haber pesonajes. Tambien suele haber un planteamiento, un desarrollo y un desenlace (o como mínimo dos de estos elementos). Aquí un ejemplo de videoclip narrativo:

Un videoclip conceptual no desarrolla una historia, y sería muy cercano al video arte. Nos puede mostrar situaciones abstractas (conceptuales) que no desarrollan una narración, sino que sugieren emociones, estados de ánimo o sensaciones.

Un ejemplo de videoclip conceptual:

El tercer tipo es el que engloba los dos otros tipos, o se queda a medio camino.

Escoge que tipo de videoclip te gustaría realizar, y a por ello!

 

4. ¿Y que pasa con los PLAYBACKS? En la mayoria de videoclips (el 99%) se usa el recurso de mostrar el/la cantante cantando su tema a cámara. A esto lo llamamos PLAYBACK, y puede situarse o bien en localizaciones integradas con el resto del video, o bien en una localización predeterminada diferente y exclusiva para la secuencia de playbacks.  Sea como sea, el uso de PLAYBACKS es muy recurrente y se emplea tanto en videoclips narrativos como conceptuales.

Puede darse el caso de que el videoclip este creado únicamente por PLAYBACKS (en una o varias localizaciones) y que vayan acompañados de coreografía (Los playbacks pueden ir acompañados (o no) de alguna coreografía). En este caso lo etiquetariamos como un videoclip conceptual.

5. ¿QUE QUIERES TRANSMITIR? BUSCA UN OBJETIVO. Una clave importante a la hora de trabajar un buen guión es la de focalizarse en un objetivo emocional y definir que es lo que queremos contar o transmitir con este video. Una vez hayas decidido la intención y el objetivo, somete cada idea que te venga a la cabeza. Si la idea en proceso no encaja con el objetivo quizas deberias revisar la idea y modificarla o desecharla.

6. MENOS ES MÁS. No intentes ser retorcido y complicarte demasiado la existencia con un guión complicado y con demasiados elementos. Además de complicarte la producción (ya hablaremos de ello más adelante), caes en el riesgo de perderte y perder al futuro espectador. Una historia (o un concepto) no será más atractivo porque incluya más ingredientes, sino porque sea coherente, ingenioso/original, honesto, profundo y transmita emociones. Si necesitas añadir muchas mas escenas, personajes, situaciones y acciones para que tu guión coja sentido, quizás es porque la idea inicial no se aguanta por si sola (y te ves obligado a meter “parches”).

Si por la naturaleza del proyecto tu guion debe ser barroco y cargado, te recomiendo que intentes estructurarlo y agrupar las situaciones al máximo (simplifica) Encuentra el hilo conductor y amarra tus escenas a él todo lo que puedas.

Recuerda: lo sencillo puede ser muy bello.

7. CONFIA EN PROFESIONALES.  Todos podemos tener buenas ideas, pero escribir un guión necesita más elementos que solo una buena idea. Hay que estar muy sensibilizado con el lenguaje audiovisal, conocer las técnicas y medios, así como tener cierta experiencia para “traducir” la idea en algo coherente, realizable y entendible. Delega en los profesionales del sector. Confía en la experiencia y talento de los que dedican su vida a este trabajo tan apasionante.